PROGETTO JESUS

La Galleria d’Arte Spazio 6 non ha addentellati o legami con istituzioni religiose, ha sempre
mantenuto una linea di laicità, perciò la scelta di un tema religioso nell’ambito della Pasqua è avvenuto in totale libertà.
L’invito di Giancarlo Zanini agli artisti che gravitano attorno alla Galleria, così come dimostra questa esposizione, è stato accolto con molto interesse e partecipazione. Ogni artista ha trattato il tema sacro secondo la propria sensibilità e visione culturale, cercando di esprimere non solo una valenza artistica, ma anche valoriale, conscio della profondità del tema affrontato. I modi dell’espressione artistica qui rappresentati vanno dal figurativo moderno, prevalente, all’astrattismo, al concettuale e all’elaborazione fotografica, anche se travalicano queste etichette in forme di espressione affatto personali.
Il tema del Sacro ha attraversato tutta l’arte occidentale e ne è stato una fondamentale
sorgente di ispirazione. I grandi nomi che mi vengono in mente di primo acchito sono Giotto, per la Cappella degli Scrovegni, il Beato Angelico del Convento di S. Marco e il
Michelangelo della Cappella Sistina; come Veneto penso al Tiziano che nella Deposizione
ritrae se stesso nelle vesti di Giuseppe d’ arimatea. Lo spirito religioso che anima queste
opere si fa sostanza stessa della pittura.
L’evoluzione dell’arte ha seguito, poi, quella del pensiero occidentale; dal Medio Evo fino
all’epoca attuale della scienza e della tecnica. La tematica religiosa è stata via via messa ai
margini; ma spesso l’effetto dell’abbandono di questo sublime tema ispiratore è stato un
certo processo di decadimento dell’arte stessa; questa è anche la tesi sostenuta dal critico e storico dell’arte austriaco Hans Sedlmayr.
Al giorno d’oggi, fare dell’arte sacra, è diventato un po’ come andare contro corrente.
Significa opporsi a quel tentativo di appiattimento e di conformismo culturale che ci viene
proposto e quasi imposto dal cosiddetto ‘pensiero unico’; come tutte le novità, anche questa viene dall’America e ha invaso l’Europa, nel tentativo di sradicare la nostra cultura, la nostra identità, per impoverirci e renderci meri soggetti adatti al consumismo.
A venire attaccato, naturalmente, è stato anche il nostro credo religioso: vivamente
consigliato dall’Unione Europea di mettere al bando perfino il nome del Natale, dopo averne affossato il significato religioso; si sconsiglia vivamente di nominare anche Giuseppe e Maria; senza considerare l’opera di distruzione nei confronti della Storia, del suo faticoso cammino, e del pensiero filosofico, ridotto a una materia inutile.
Perciò, a questo punto,il mio plauso va a Giancarlo Zanini, che ha saputo andare contro
corrente; perché questa mostra non presenta l’arte sacra come è stata interpretata dagli
artisti del passato, ma da quelli contemporanei; che si fanno testimoni e interpreti di una
fonte di ispirazione che è alla base stessa del significato della vita dell’uomo.
Perciò invito ciascuno dei presenti a prendere visione di queste opere, tutte eccellenti e
ricche di significato, e a farsene una personale opinione.
Franco Casati

ENRICO VUCEMILLO

SIMUL

Le opere di Enrico Vucemillo superano l’idea di realtà per collocarsi in una dimensione “altra” infinita ed enigmatica. Tracce, dissonanze, stratificazioni tonali recuperano frammenti di tempo, memorie infrante  di lontane entità rivelatrici. Il  cammino evocativo dell’artista entra trionfalmente in quello stadio figurativo che vive tra un astrattismo colto e una ricerca di trasfigurata purificazione. Silenti armonie, dinamiche e vibratili, generano  una ricercata simultaneità di istanti sottesi tra variabili suggestioni cromatiche e inquiete profondità ideative. Il sensibile sentire dell’artista perpetua la sua intraprendenza figurativa nel rappresentare col colore la sua meditata riflessione nei confronti della materia pittorica. Significativa ed emblematica l’opera “Il sole mi costringe a dipingere” dove immagini recuperate dalla memoria vivono in una dimensione sospesa tra  indefiniti dinamismi e misteriose sublimazioni sequenziali generando alternanze tonali, agili tracce,  segmentazioni espressive. Vucemillo crea liberi percorsi figurativi dove individua  sul substrato sensibili impronte segniche, sovrapposizioni, frequenti intermittenze invitando l’interlocutore a condividere una comune percezione immaginativa, un affascinante viaggio  nella sua personale visione che noi definiamo astrazione dove trovare insieme condivise esperienze percorribili. L’artista frammenta la realtà in determinati fotogrammi, richiami sensoriali di “frame” percettivi evocati come chiavi di acquisite esperienze emotive dalle variabili astrali e luminescenti. Dinamiche distinte ma complementari veicolano le loro forze verso raffinate modularità alla conquista di un unico, irrevocabile equilibrio. “Simul” significa arrivare insieme,  cercare una connessione di appartenenza  evocando una tesi ma nel medesimo istante la sua antitesi alla ricerca di una necessaria armonia come livello superiore dell’essere, oltre i confini di tempo e spazio.

Profilo critico del Prof. Gianluigi Guarneri

Leonardo Rossi
veronese di nascita, riminese per amore,  ama l’acqua e non solo.
Ama la pietra, quella lieve e accudente che ritrova a Verona come amante in attesa, consunta nei ponti, nelle strade, nelle piazze, nei palazzi, nei campanil del suo venire al mondo.
L’una fluida, l’altra statica, non importa.
Ama l’acqua, ora di fiume, ora di mare, ora quieta, ora tempestosa, non importa, gli è dentro.
Nato con il rumore del fiume, con lui scorre, attraversa, arriva al mare,  all’amore.
Adagiato al suo scorrere, ripercorre quei ponti, quelle strade, quelle piazze, quei palazzi, quei campanili, come ricordi del cuore.
Oggi, nel suo scorrere, si adagia alla complessità espressiva di un pastello secco, di un olio, linguaggio di cui è maestro quando
racconta di sé e del mondo a lui caro.
E’ proprio quel segno asciutto e visionario a contraddistinguere le sue opere e che definirei, senza tema di smentita, sua cifra artistica.
L’inconfondibile rappresentazione di una quotidianità popolata di persone, architetture, abitudini, piccoli piaceri, scorci identitari, rivelano
un’attenzione rara per l’ambiente e la sua umanità.
E’ fondamentale, per l’artista e l’uomo, stabilire e interiorizzare il buon rapporto con la città in cui ha vissuto o vive.
Moreno Mondaini

Mi sono chiesta molte volte guardando i dipinti di Angelo Bordiga, da dove poteva nascere la poetica e l’ispirazione che avvertivo immediatamente osservando il disegno, la forma e il colore delle opere di questo artista amico nato a Bagolino in Provincia di Brescia. Mi sono chiesta perché provavo attrazione e soprattutto se avrei appeso i suoi dipinti nella mia casa.  Da dove proveniva il riferimento culturale della sua pittura, era lecito paragonarlo al Pitocchetto della tradizione lombarda o agli espressionisti tedeschi, oppure il suo dipingere era completamente privo di riferimenti storici o pittorici e forse la sua forte personalità, mascherata da timidezza, esprimeva soltanto il dilemma esistenziale della nostra vita?  Io penso, invece, che Bordiga sia riuscito a sintetizzare la storia della pittura del passato, dei grandi temi del novecento, degli artisti che ci hanno preceduto, con il mondo attuale, il mondo che qui e ora è di fronte a lui.  Come non vedere la sua attenzione alle difficoltà dell’uomo moderno, isolato e indifeso contro il narcisismo vuoto e sgargiante della banalità imperante? Come non capire che il suo mondo tormentato mostra i dubbi che si trasformano in domande allo spettatore sulle questioni più profonde dell’esistenza? Torniamo al fascino della sua pittura: per me è forte il richiamo alla pittura lombarda, “sempre fedele al vero” e in particolare al modo bresciano di fare arte, severo, silenzioso e meditativo, ma sempre con il cuore sulla coscienza, poesia rivolta non tanto agli umili quanto agli uomini e alle donne di oggi. Le sue figure sono esauste e logorate, afflitte e sfiduciate, rappresentate in una prospettiva allungata e deformata, (lezione dell’espressionismo), ad indicare la lontananza e la vicinanza di chi li vuole raffigurare e raccontare in una toccante partecipazione. Il disegno è diligente e puntuale ma anche volutamente conciso, essenziale, soprattuto nelle linee dei volti spesso girati o nascosti, delineati con accordi di colore appena accennati, proprio per tracciare una rappresentazione attenta e misteriosa, preoccupazione e rispetto, non analisi psicologica individuale ma ricerca di un universale tragico. Se rivediamo i quadri più famosi di Munch e Bacon, ritroviamo in Bordiga un modo nordico, drammatico, che cerca di riconfrontarsi ostinatamente con la natura con un misto di sensualità e spiritualità, conflitto perpetuo espresso nei grumi di colore, nei gialli, nei blu cobalto e nei rossi accostati ai colori verde acqua, grigio, bruno, e soprattutto, nell’uso sapiente ed equilibratore del bianco.

S.C. della Galleria Spazio 6

SUSAN WELLER

LA POESIA DEI MURI

Due sguardi sull’Italia, due donne che venendo dalla California vedono il nostro Paese con occhi nuovi, due donne che hanno scelto due mezzi espressivi diversi, una la parola e l’altra il colore. Restando entrambe dentro un universo poetico, dentro un mondo espressivo lirico ed emozionante. E in questo omaggio alla cugina poetessa Roberta Spear (1949-2003), Susan Weller compone dipinti dove parola e colore si incontrano. L’Italia per Susan Weller si riflette e si identifica in quello che i suoi muri raccontano. I muri sono stati oggetto della sua attenzione da tempo, non so quando sia iniziato, ma credo che il suo interesse affondi le radici nelle frequentazioni europee, con viaggi e studi che in Susan risalgono ad un’epoca giovanile. Il muro rappresenta l’essenza stessa di quella stratificazione storica che differenzia profondamente la sua cultura di provenienza dalla nostra. Il muro che le interessa non è però quello che ha attirato l’attenzione degli artisti pop, o di nouveaux réalistes come Mimmo Rotella che vi andava cercando per i suoi décollage gli accumuli di manifesti sovrapposti nel tempo. Il muro che le parla è un muro antico, i cui intonaci trasudano storia, dove si intravedono ancora tracce di affreschi, di decorazioni, sono muri cotti dal sole, che fanno parte di una stratificazione architettonica e storica, che imprigionano e restituiscono calore. E se si guarda all’evoluzione dei suoi dipinti in questi ultimi anni, si vede che Susan sembra avere scaldato ancora di più la sua materia cromatica, rendendo anche maggiormente tattile la superficie dei suoi dipinti, quasi sensuale, con l’introduzione di carte che reagiscono diversamente dalla tela sia al colore che alla luce. La carta incollata sulla tela si increspa e non lascia che il colore si distenda in maniera regolare, formando sul suo cammino trasparenze e densità. Il suo mondo è sempre più lontano dall’astrazione e sempre più vicino ad una matericità concreta nella quale si nasconde, in maniera del tutto accidentale come lei stessa spiega affascinata da questa casualità, la bellezza che Susan cerca avidamente con gli occhi.
E ora arriva anche il suo interesse per le parole, che possono essere lettere graffiate, resti di fogli incollati, oppure parole che dalle poesie di Roberta Spear migrano idealmente nella pittura di Susan, trovandovi uno specchio in cui riflettersi. Susan e Roberta si incontrano proprio qui, in quella capacità di “trasformare le cose normali della vita quotidiana in racconti prodigiosi” come spiega Philip Levine nell’introduzione all’ultima raccolta di poesie di Roberta Spear intitolata “Nel mondo che verrà”. “Nel mondo che verrà- aveva scritto Roberta- io sarò quella/ che spalancherà sempre gli scuri verdi incurvati/per far entrare la luce del sole nella stanza[…]”. Di nuovo il sole, quello che cuoce gli intonaci che rapiscono Susan, ma anche quello “che si sta risvegliando nell’alta culla di pietra del Mottarone”.
Camilla Bertoni